|
В
поздних формах стиль Ар Деко сближается с геометрическим конструктивизмом.
Недаром считают, что проектировщики Ар Деко - наследники венской архитектурной
школы - оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза (см. также "Венские
Мастерские"). В Италии и Германии элементы стиля Ар Деко, соединяясь с
формами Неоклассицизма, перерастали в архитектуру "нового Ампира" -
фашистского стиля третьего Райха. Ар Деко оказал влияние на художников французского
стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. К
этому же стилю иногда причисляют наивного живописца Р. Дюфи. Наиболее известные
художники французского Ар Деко: Ж. Де-ламар, М. Дюфрен, Я. Котера, Р. Лалик,
П. Легрен, П. Ириб, Л. Зак, К. Клэрис, Р. Малле-Стевенс, А. Мартен, Ж. Пруве,
П. Пуаре, Ж. Пюифорка, А. Рато, Ж.-Э. Рюль-манн, Л. Сю, Р. Эрте, П. Янак (рис.
347-350; цв. табл. 12). Ар Деко называют "последним из художественных
стилей", соединявшим несоединимое. Может быть как раз этим он и оказал
значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства.
В 1930-1950-х годах отмечают и существование "советского Ар Деко".
В качестве характерных примеров приводятся работы скульпторов Н. Данько, И. Ефимова,
В. Мухиной - произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени
обобщенностью и геометризацией формы, а также "пышная, вызывающая декоративность
набивных ситцевых тканей", украшенных, тем не менее, советской агитационной
атрибутикой (см. "агитационное искусство"; социалистический реализм).
В конце XX столетия смелые контрасты обобщенной, геометризованной формы и яркого
цвета, открытые стилем Ар Деко, возрождаются в дизайне и моде: оформлении интерьеров,
ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике.
АР НУВО
АР НУВО - (франц. L'Art Nouveau - Новое искусство) - французское название
искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить
этот термин не в целом к искусству Модерна, включающему различные течения
и стили, а лишь к одному из них - "флореалъному", или декоративно-орнаментальному,
течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.
Впервые этот термин появился в 1881 г. на страницах журнала "Современное
искусство" ("L'Art Moderne"), основанного в Брюсселе О. Маусом
и Э. Пикаром. Термин "Ар Нуво" охотно использовали в отношении своего
творчества тесно связанные с редакцией журнала художники А. Ван де Велде, В.
Орта, Э. Грассе, Э. Гимар. В 1895 г. антиквар из Гамбурга С. Бинг открыл в
Париже магазин "Maison de L'Art Nouveau" (франц. "Дом Нового
Искусства"), где показывались произведения традиционного искусства Китая,
Японии, а также работы молодых парижских художников А. Ван де Велде, Э. Галле,
П. Боннара, Ф. Брэнгвина, О. Родена, Л. К. Тиффани, выполненные в "новом
стиле", отчасти напоминающем восточный, Искусство Востока было одним из
источников Ар Нуво.
В 1856 г. французский живописец, гравер и керамист Ф. Бракмон впервые увидел
японские цветные гравюры на дереве К. Хокусая в магазине Делатра в Париже.
В них заворачивали пачки китайского чая. Но уже очень скоро эти необычные ксилографии
привлекли внимание многих французских художников.
Живописцы-постимпрессионисты нашли в них то, что давно искали: эмансипацию
цветового пятна, декоративность организации плоскости, выразительность силуэта
и прихотливо извивающихся контуров. Характерно и то, что Париж оказался готов
к принятию этих пластических качеств, потому что задолго до этого они формировались
всей эволюцией европейского изобразительного искусства. В самом начале XIX
в. английский поэт-символист и художник У. Блейк один из первых "нашел" изогнутую
линию в своих причудливых, фантастических акварелях и гравюрах.
Декоративность контуров и плоскостного пятна культивировалась английскими прерафаэлитами,
художниками круга У. Морриса - У. Крэй-ном, Э. Берн-Джонсом и, несколько позднее,
А. Макмардо и участниками "Эстетического движения", возглавляемого
О. Уайлдом. Независимо от них, французы Э. Дега, П. Гоген и "понтавенцы",
Э. Мане, Ж.-Л. Форэн, А. де Тулуз-Лотрек и даже В. Ван Гог усваивали уроки
японской гравюры. Дивизионист Ж. Сера, а вслед за ним М. Дени, и художники
группы "Наби", стали придавать символическое значение изогнутым линиям, "восходящим" и "нисходящим" музыкальным
контурам. Приемы использования линии и цвета в японской гравюре, росписях фарфора
и шелка переосмысливал Дж. Уист-лер. Это своеобразное соединение Запада и Востока,
символизма и декоративизма и было воспринято группой бельгийско-французских
архитекторов-декораторов во главе с А. Ван де Велде, В. Орта и Э. Гимаром,
создававших свои флореальные "биоподобные" формы (см. биоморфизм).
В 1892-1893 гг. В. Орта выстроил знаменитый особняк Тассель в Брюсселе с металлическими
конструкциями, стилизованными под извивающиеся стебли растений.
В 1895 г. X. Обрист показал гобелен с изображением петлеобразно изогнутого
стебля цикламена - линии, удачно названной критиками "ударом бича".
Именно эта линия стала впоследствии "визитной карточкой" "стиля
модерн" в Европе. В 1898 г. Э. Гимар создал свои знаменитые биоподобные
решетки входов в парижское метро, а в Мюнхене в том же году -А. Энделль - фантастический
декор фасада фотоателье "Эльвира" (см. волна). Однако архитекторы "нового
стиля" придавали флореальным формам более сложное значение, выходящее
за рамки простой стилизации растений.
На основе изогнутых линий они разрабатывали концепцию непрерывного "перетекающего" пространства,
объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений, мебели, бытовых
предметов с их конструкцией, внешним декором и технологией обработки материала.
Эта новаторская концепция обусловила целостность и органичность "нового
стиля".
Вторым после Парижа центром французского Ар Нуво стала школа Нанси во главе
с Э. Галле, Л. Мажореллем и братьями Даум. Стиль Ар Нуво интересен тем, что
вполне рациональная идея гармонии функции, конструкции и внешней формы сочетается
в нем с фантастичностью, причудливостью, даже мистичностью, и потому его можно
считать одним из проявлений Романтизма в искусстве рубежа XIX-XX вв. (рис.
379, 383). Но в искусстве этого периода, позднее получившем более общее название
Модерна, рядом с Ар Нуво существовали и другие течения: национально-романтическое,
геометрическое, неоклассическое.
АРТ-ДИЗАЙН
АРТ-ДИЗАЙН - (от лат. artis - искусство и англ, design от лат. designare
- обозначать, определять назначение) - течение авангардного искусства,
получившее распространение в 1980-х гг., главным образом в СССР и социалистических
странах Восточной Европы. В композициях арт-ди-зайна соединялись приемы,
авангардного изобразительного искусства и промышленного дизайна.
Эти странные произведения составлялись из бытовых предметов, обломков механизмов,
промышленных деталей, фрагментов политических плакатов, фотографий, манекенов,
муляжей - в самых нелепых сочетаниях. Они были призваны выявить непривычные,
нетрадиционные стороны обычных утилитарных вещей и, тем самым, вскрыть абсурдность,
банальность массовой культуры социалистического общества, примитив политической
агитации.
Главное выразительное средство - шок, вызов - нехудожественной природы, но
оно создавало, парадоксально, своим демонстративным антиэстетизмом некую эстетическую
ситуацию (поскольку реальная действительность была еще хуже!). В некоторой
мере арт-дизайн был преемником поп-арта 1950-х гг.
Но если в поп-арте демонстрацией привычных обыденных предметов вызывалось ощущение
нелепых, алогичных связей, то в арт-дизайне 1980-х - скорее наоборот, элементарными
средствами создавался сложный идеологический подтекст. Поэтому арт-дизайн и
стал дерзкой (но более безопасной, чем традиционная живопись) формой протеста
художника против окружающей его лжи общественной жизни.
АРХАИКА
АРХАИКА - (от греч. archaios - древний) - искусство раннего, начального
этапа развития того или иного исторического типа, направления, стиля, школы.
Чаще этот термин применяют в отношении египетского искусства начала Древнего
Царства (3200-2800 гг. до н. э.), искусства Месопотамии, либо самого раннего
периода развития античного искусства (в широком смысле: включая крито-микенское,
или эгейское, искусство 3000-1100 гг. до н.э.; в узком - собственно "архаический
период" эллинской культуры: ок. 610-480 гг. до н. э.; см. также аргосская
школа).
Период архаики предшествует классике - наиболее полному раскрытию возможностей
определенного исторического типа искусства, его расцвету. Поэтому обоснованно
использование термина "архаика" для обозначения зарождения различных
типов искусства в разные исторические эпохи. Архаическое искусство представляет
собой достилевую стадию развития художественного мышления, характерную неоформленностью
художественных идей, хаосом смутно осознаваемых возможностей. Своя архаика была
в античности, архаическим является раннехристианское искусство и, отчасти, романское.
Архаический период переживало искусство Византии и древнерусское искусство, архаические
черты свойственны ранней Готике и искусству кватроченто - раннего Итальянского
Возрождения. Все искусство Северного Возрождения кажется архаичным рядом с Барокко
и Маньеризмом. Каждый художник в своем индивидуальном развитии также переживает
периоды архаики, классики (расцвета индивидуального стиля), а затем кризиса,
упадка и, часто, вырождения своего искусства. Но, наряду с этим, все древнеегипетское
или древнеамериканское искусство, многие проявления народного, наивного, примитивного
творчества в целом можно охарактеризовать как архаичные в сравнении с художественными
стилями европейского искусства XVII-XIX вв. В истории искусства таким образом
просматривается многомерное развитие художественных форм от архаики к классике,
а затем вырождению и упадку, повторяющееся периодически, но не буквально, а по
принципу "эволюционной спирали".
Эти стадии не дублируют друг друга по формам и содержанию. Но есть общие закономерности.
В 1880-х гг. датский археолог и историк искусства Ю. X. Ланге сформулировал "закон
фронтальноетио архаической скульптуры Древней Греции и Египта. |
.
страницы: |
, ссылайтесь... 
